Con más de 112 millones de espectadores, el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl de este año estuvo a la altura de las expectativas como uno de los más vistos en los últimos cinco años. Producido por Roc Nation, DPS y Jesse Collins Entertainment, el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl se llevó a cabo en Los Ángeles, California, con una alineación estelar que incluía a Dr. Dre, Snoop Dogg, Mary J. Blige, Eminem, Kendrick Lamar y 50 Cent.
Con una variedad de hermosas cámaras y lentes cinematográficos que acompañaron a los sistemas de montaje de última generación y diseñados a la medida, el espectáculo de medio tiempo de este año del Super Bowl resultó ser memorable no solo por la impresionante coreografía “Crib Walk” sino también por su complejidad técnica.
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El escenario
Para crear el escenario de este año, el aclamado director creativo Es Devlin trabajó con Dr. Dre para diseñar un montaje único, inspirado en el lugar de nacimiento del hip hop.
Tanto Dr. Dre como Jimmy Iovine se sintieron más atraídos por los montajes de dirección de arte del estudio que por los espectáculos. “El medio tiempo se llevaría a cabo a la luz del día, por lo que, sabíamos que sería más adecuado un montaje o un desfile que un espectáculo de luces”, explica Devlin. “Dre se interesó de inmediato en la idea de ‘ubicación’. Intuyó que Compton sería un protagonista en el trabajo y que podíamos crear un mapa de Compton en el escenario mundial del Gran Juego”. El escenario rindió homenaje a la ciudad de Compton, incluido “Eve’s After Dark”, un club nocturno y estudio donde Dr. Dre perfeccionó su oficio.
“Este espectáculo fue una celebración de un género musical que realmente provocó un cambio cultural en todo el mundo”, agrega el director Hamish Hamilton. “Y dado que el juego fue efectivamente en Compton este año, en un estadio que se construyó a solo un paso del sitio donde Dre y gran cantidad de artistas musicales influyentes pasaron sus años de formación, era crucial para nosotros como equipo hacer justicia a el arte de los artistas.”
El escenario estaba equipado con paredes LED que mostraban una barbería, un club de baile y servían como una interpretación artística de los famosos lugares de reunión de Compton.
“Los detalles de los edificios se unificaron por sus tonalidades: color hueso y texturas de piedra gris pálido, como piezas de museo iluminadas con luces de neón, para que fuesen recordados como formas y marcos para la historia que está contenida en sí mismas”, dice Devlin.
Decidirse por un look cinematográfico
Mientras que el juego en sí se basó en más de 50 cámaras de transmisión con lentes de caja tradicionales, el espectáculo de medio tiempo se basó en 12 cámaras Sony VENICE, 2 Sony Skycams y una FX6 para una toma súper amplia en el medio campo.
Para la producción, algunos factores influyeron en la decisión de usar Sony VENICE por primera vez. En primer lugar, estaba el desafío de la durabilidad. En el espectáculo de medio tiempo de este año, la producción presentaría un set completo en el campo, lo que no se había hecho el año pasado con “The Weekend”. Como las cámaras de cine digital siempre están equipadas con una variedad de accesorios de apoyo, incluidos motores de lentes, sistemas de video inalámbricos y otros dispositivos, a Hamilton le preocupaba la durabilidad de la cámara o si algo se caía de la cámara y por otro lado, estaba la facilidad con la que las cámaras seleccionadas se podían integrar con la transmisión.
Explica Hamilton: “este año, queríamos continuar con el gran formato, lo que nos daría esas ricas imágenes cinematográficas, que tienen una paleta de colores mucho más amplia y una maravillosa profundidad de campo. Y, obviamente, queríamos poder asegurarnos de que pudiéramos integrar la cámara de la mejor manera posible con cualquier tecnología que podíamos utilizar para mezclar y transmitir el programa. Estábamos usando una de las salas de control de la NFL y su centro de medios en SoFi. Sentimos por múltiples razones que las cámaras Sony y las cámaras VENICE se integrarían con el flujo de trabajo de televisión en vivo de una manera más fluida que cualquier otra marca de cámaras en el mercado. Además, usé VENICE en un flujo de trabajo similar hace unos años cuando hicimos ‘The Little Mermaid’ Live”.
Hamilton también hizo mención al trabajo anterior de Dr. Dre y al hecho de que el hip hop en general ha adoptado durante mucho tiempo un aspecto más cinematográfico. Para él, la decisión de quedarse con las cámaras de cine y los lentes fue indiscutible. “El hip hop siempre ha tenido un enfoque muy cinematográfico para la creación de videos. Y ciertamente, en muchos de los proyectos en los que Dre ha estado involucrado, así como en sus videos anteriores, ha habido cualidades realmente épicas y cinematográficas. Queríamos continuar con esa iconografía de una manera que fuera apropiada para el género y para Dre, usar una cámara de gran formato y objetivos de cine fue una decisión indiscutible”.
La toma de apertura
Una de las tomas más llamativas del día fue la toma de apertura del espectáculo de medio tiempo: una toma desde atrás de Dr. Dre, que inmediatamente mostró los beneficios de usar una cámara de cine, creando una sensación épica y de ensoñación al aire libre.
Dylan Sanford, director de fotografía del espectáculo de medio tiempo, dijo: “usamos filtros en una cámara para la primera toma: un Tiffen Smoque 1/4. Nos gustó el efecto radiante y de halo que creó una sensación mágica. Eliminamos ese filtro tan pronto como terminó la primera toma. Por lo demás, mantuvimos todas las cámaras limpias”.
Cómo fue el rodaje
Si bien la decisión de utilizar cámaras y lentes de cine de gran formato fue algo obvio, hacer realidad ese plan no estuvo exento de dificultades. Lo que comenzó como un plan para usar ocho cámaras VENICE, que se intercalarían con las cámaras de transmisión existentes, pronto fue evolucionando a la decisión de usar solo cámaras de cine digital VENICE.
Hamilton y su equipo trabajaron con James Coker de Digital Cinema Collective para que la cantidad de cámaras funcionara de modo que el espectáculo de medio tiempo pudiera mantener el aspecto cinematográfico y no tuviera que intercalarse con las cámaras de transmisión tradicionales. Para completar el aspecto cinematográfico de gran formato, la producción también aprovechó los zooms de cine y una lente de caja especial de Fujinon que fue diseñada a la medida para usarse con VENICE.
“Con algunas de las cámaras portátiles, cambiábamos los lentes a la mitad, a medida que atravesábamos los 12 minutos, cosa que nunca antes habíamos hecho. Pero, siempre que fue posible, intentamos que el lente se acercara lo más posible al talento. Obviamente, eso funcionó con la actuación de Kendrick. Tuvimos un par de movimientos Steadicam realmente geniales que escribimos y que realmente se beneficiaron del uso de VENICE y sus lentes”.
Hamilton y su equipo trabajaron con bastante anticipación para planificar algunos movimientos de cámara increíbles con la ayuda de equipos especializados. Una de las decisiones clave fue usar una Moviebird 50 Technocrane como cámara de primeros planos, un movimiento que, él admite, nunca había probado antes.
“Todas las tomas de Eminem se rodaron con un objetivo zoom en el extremo de una Technocrane que nos acercó mucho a él”, explica Hamilton. “Entonces, obtuvimos esa gran profundidad de campo y esa proximidad real con el lente. Eso, para un poeta como Eminem, realmente funcionó, porque Eminem actúa muy bien cuando está frente a un lente cerca. La dinámica entre Eminem y el rapero y baterista Anderson Paak funcionó bien en esa toma en particular”.
El equipo se aseguró de que los espectadores no vieran grúas ni plataformas rodantes en la parte posterior de cada toma. Para lograrlo, prestaron especial atención a qué lentes usaban y dónde los colocaban. Hamilton explica: “Había ocasiones en las que no podíamos poner dos cámaras muy cerca de Mary J. Blige. De lo contrario, cada vez que nos acercáramos a la coreografía, verías una grúa gigante o una plataforma rodante Chapman en el marco. Usamos un zoom Fujinon para que en su primer plano obtuviéramos una gran profundidad de campo. Luego, al lado de esa cámara, o justo debajo de ella en la Technocrane, teníamos el nuevo lente largo de Fuji. Es en efecto un lente de transmisión que Fuji ha adaptado para la cámara VENICE. Es un lente de cine 4K que se parece más a un lente de caja deportiva que a un lente de cine tradicional”.
El uso del nuevo lente de zoom Fuji en la VENICE le dio al equipo de Hamilton un rango de zoom masivo en la línea de 50 yardas. Las dos cámaras se convirtieron en dos tomas en el centro y también sirvieron como cámara de 45 grados cuando la producción grababa a Eminem.
Desafíos el día del juego
Gracias a una de las primeras mitades más rápidas en la historia del juego, el espectáculo de medio tiempo se llevaría a cabo durante el día por primera vez en la historia reciente. La brillante luz del día del espectáculo y la luz del sol de la tarde que entraba por el techo ofrecieron algunos desafíos el día del juego.
“El equipo de iluminación, de dirección de fotografía y de corrección, realmente estuvieron muy ocupados a medida que nos acercábamos al tiempo de emisión, porque no estábamos acostumbrados a ver el programa durante el día. No obstante, debo decir, que preferí cómo quedó el programa en el día al espectáculo que grabamos muchas veces las noches anteriores. Simplemente había algo especial y único en ello porque podías ver claramente a la multitud dando testimonio. No estaban escondidos en la oscuridad. Es realmente hermoso ver a una multitud de 80.000 personas reunidas para presenciar el espectáculo de medio tiempo”.
Hubo algunas desventajas de ir al aire más temprano, pero no teníamos otra alternativa. Es el medio tiempo del Super Bowl, por lo que nunca sabes, exactamente, a qué hora vas a salir al aire. Teníamos que salir a las cinco en punto, así que salimos al aire a las cinco. Eso implicó que tuvimos que re-escribir tomas al aire en vivo. Hicimos tomas que creímos que no funcionarían. En efecto, salieron algunas cosas diferentes. Vimos a un operador de Steadicam y a una grúa en plano que nunca antes se habían visto porque por lo general siempre estaban en la oscuridad”.
Grabando en un escenario blanco
Otro desafío fue el escenario color hueso. En una configuración de transmisión típica, el escenario se vería un poco más brillante o sería mucho más nítido. Pero como detalla Hamilton, la ciencia del color y el rango dinámico de VENICE ayudaron a mostrar el detalle del decorado que había creado Es Devlin.
“Cuando vimos los primeros dibujos y renders que se le ocurrieron a Es Devlin, la ventaja del sensor de gran formato se hizo aún más evidente. Creo que si hubiéramos grabado eso en una cámara de transmisión tradicional realmente lo habría aplanado. Hubiera sido mucho una experiencia más binaria. Los blancos habrían sido ciertamente más nítidos y creo que lo que obtuvimos de las cámaras VENICE fue sutileza y delicadeza. Un atrevimiento que no obtendrías con una cámara deportiva más tradicional. Fue una gran ventaja filmar ese set con esas cámaras”.
Las tomas de Kendrick Lamar y el Crash Zoom
Además de hacer cambios de lentes y filtros, el equipo de Hamilton también agregó algunos otros toques cinematográficos. Entre los más notables estuvo el ampliamente discutido uso de un crash zoom audaz durante la actuación de Kendrick Lamar.
“Esos crash zooms se hicieron con una Steadicam estándar”, dice Hamilton. “Fueron realizados manualmente por el operador, Tore Livia y rematados por el AD, Hayley Collett. Eso fue concebido entre mi equipo y el equipo de Kendrick y Dave Free, quien es el colaborador creativo de Kendrick”.
Hamilton le da todo el crédito al equipo que ha trabajado junto a él durante años como la razón principal del éxito de la producción para correr riesgos audaces el día del juego. “Hay un equipo de personas que ha trabajado en estos programas durante muchos, muchos años. Conocemos nuestras fortalezas y debilidades, y sabemos lo que podemos y no podemos hacer. Estamos constantemente tratando de desarrollar nuevas habilidades, nuevos procesos de trabajo y adoptar nuevas tecnologías en vivo, eso funcionó bien con VENICE”.
Detalles, detalles y más detalles
Otro elemento acertado fueron las luces en el público. “Hay una empresa de tecnología llamada PixMob. Pusimos en las gradas 70 u 80.000 collares luminosos que la gente podía usar. Esos collares funcionaban a través de Bluetooth y tenían lucecitas que podían cambiar de color. Por la noche se veían muy diferentes de cómo se veían cuando lo grabamos. Pero le dio un pequeño efecto de iluminación suave, que iba con esa gran profundidad de campo en la ropa de Mary que le dio un efecto encantador con un poco de brillo en el fondo. Esos primeros planos de Mary son increíbles, ese momento cuando ella se inclina hacia atrás es simplemente increíble. Me encantó. Fue absolutamente fantástico”
Pensamientos finales
“Creo que la tecnología de cámara que usamos este año tuvo un gran impacto emocional para las personas que vieron el programa en televisión. Le ofreció al espectador una estética, una emoción y una calidad cinematográfica que no creo que la gente necesariamente haya pensado: “Oh, están filmando eso con cámaras de cine, ¿no es así?”. Pero creo que lo habrán visto y pensado: “Guau, esto se ve épico y especial, y tiene un gran sentido de la oportunidad. Y creo que hay mucha emoción en esto, y los chicos y Mary J. se veían icónicos y heroicos”. Todo esto fue reforzado gracias a la decisión de la cámara y a la elección de la tecnología. Me alegro de que perseveráramos con esta decisión que fue audaz, en vista de todo lo que teníamos que hacer en tan solo ocho minutos”.
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